定格下的戏剧张力——关于戏剧舞台与艺术摄影.pdf

新锐争鸣39舞台艺术是综合性极强的艺术门类，其作品囊括了视觉、听觉等艺术形式的审美特征，在这个多元文化高速碰撞的信息时代大环境中，它不再局限于线下演出的完整性，而是必须面对新媒体时代线上线下信息矩阵的需求，在呈现上打破了舞台艺术的边界，具有跨界传播属性。舞台剧照作为艺术摄影中的一类，它更侧重于舞台艺术作品本身的还原。它常被用于舞台艺术的广告宣传、书籍出版、网络展示、票券印制等重要方面，是舞台艺术生态框架的重要组成部分之一。剧照不仅直观展示舞台美术设计的水准，同时，通过抓取戏剧的瞬间来体现全剧的基调和演员的表现力。它通过镜头的艺术表现力将舞台之美传递给观众，让观众在走进剧场之前，提前沉浸于对人物和情境的无尽猜想中，提起对观剧的兴趣，最终通过走进剧场来寻找答案。除了用于吸引观众走进剧场，在走出剧场后，观众又可以因剧照重新勾起对戏剧作品瞬间的再现，回顾观剧体验过程中的精彩时刻，甚至为了再次体验回忆中的美好段落，再次走进剧场。所以无论是作为戏剧档案或是审美记录，优秀的舞台摄影作品都是值得长久回味与收藏的。为了达到实现上述艺术价值的创作目的，舞台摄影师需要对捕捉“定格”有敏锐的直觉和洞察。从创作流程来说，所谓“定格”，即摄影师举起相机等待时机成熟并按下快门的那一刻定点动作，是对舞台精彩瞬间的影像捕捉。而戏剧的张力，则来自戏剧表演以及舞台综合效果中所产生的紧张、冲突和矛盾的氛围。好的剧照需要将舞台上的氛围感带入瞬间的影像上，让剧照有可读性、联想性，通过画面感抓住观众的兴趣、唤起观众的审美情结。那么，如何做到这一点，是需要每一个舞台摄影者不断思考的问题。通过分析舞台摄影的艺术特点，讨论摄影师在捕捉舞台表演瞬间时所需要的技巧和方法，探究如何通过画面表现出戏剧中紧张、冲突和矛盾的氛围，是讨论舞台摄影创作重点的基本方法。首先，舞台摄影作品要具有美术性。摄影作为图形创作，视觉审美是基础。和传统摄影艺术一样，舞台摄影作品对构图、色彩、形态、用光、线条、透视等方面都有要求，一张具有传统意义“视觉美”的剧照，更能让人对舞台作品产生期待。其次，舞台摄影作品要具有戏剧性。横跨了摄影艺术和舞台艺术的舞台摄影，需要同时满足两种艺术主体的审美需求。除了纯粹的视觉审美之外，舞台艺术的戏剧性是不可忽略的核心，定格下的戏剧张力章 琳 湖南省艺术研究院关于戏剧舞台与艺术摄影新锐争鸣40所以舞台摄影同样需要体现出戏剧性，以满足美术性与戏剧性的共鸣。第三，舞台摄影作品需要具有传播性。从传播角度来说，舞台剧照需要有一目了然的表现力，这对画面内容的选取有一定的要求。因着舞台艺术作品的特性，宣传与推广的剧照往往是通过少量图片来集中向观众展示其作品的风格，用以体现突出的舞美或是演员。这就要求摄影师对剧照画面内容需要有构思和取舍能力。归根结底，剧照是对戏剧的再度创作，是对戏剧审美一种提炼式的解读和表达。总体来说，剧照摄影师要懂戏、要入戏，无论是抓拍还是摆拍，都需要在最具戏剧价值的瞬间按下快门。在了解舞台摄影的艺术特点后，就可以根据舞台摄影和传统摄影在创作方式上的异同进行合理安排，充分考虑舞台的特殊性。与一般的摄影创作氛围不同的是，剧照拍摄方式分为现场拍摄（抓拍）和摆拍两种，这两种方式各具优势和缺陷，也因着拍摄方式的不同，产生的画面效果各有千秋。1.现场拍摄从摄影角度来说，剧照现场拍摄的光影很大程度上受到舞台灯光、舞台设计和现场调度的制约，同时，拍摄角度也受制于剧场空间。所以，现场拍摄大多数是以定点抓拍和移动抓拍为主。（1）定点抓拍定点抓拍一般会选择最佳拍摄观众席座位比如以视线与演员平行并能确保构图完整的观众席前中区域为定点，通过镜头变焦来实现景别的变化，避免过大的俯仰角度，避免移动。这种单一角度和固定距离的定点抓拍拙于对戏剧张力和表演细节的体现，在某种程度上也使拍摄角度显得过于单一，但是它在体现舞台设计的整体效果方面却有着绝对的优势。（2）移动抓拍另一种是戏剧表演过程中，摄影师离开固定座位，通过在剧场中自由移动来获得更多拍摄角度的方式。不管是经验丰富的摄影师还是初次接触舞台摄影的小白，都会受困于演出现场对秩序的要求，难免流失一些好的摄影时机。尽管有这样那样的弊端，现场移动拍摄依然可以最大程度地抓取到演员表演中最具张力的状态，其中就包括我们时常会讲到的戏曲专有名词亮相。这就需要摄影师充分考虑移动拍摄行为对表演和观剧的影响，采取将对现场的影响减少到最小又不失摄影水准、作品呈现的方法，比如以合成彩排为专门拍摄场次。相对自由的拍摄方式，不仅能使摄影师的身体得到解放，同时还将获得更多的优势拍摄角度，捕捉到不可复制的即兴效果，即在场感。关于局限性。拍摄中，时常会遇到舞台灯光瞬息万变，又或是光比与色比产生极端的情况，以及舞台布景、装置、演员走位等等过程中出现的突发性情况，这就要求拍摄者要具有应变的能力。一般来说，表演中的即兴状态也会有助于摄影师对戏剧情境、人物性格的捕捉，但总体来说，这种不确定性是不利于剧照摄影的，因为它不能稳定地完成戏剧呈现，所以难以保证在拍摄中还原戏剧。我们知道，现场观众得到的冲击不仅仅是视觉上的，他们还可以从昏暗的灯光和快速移动的演员及物体中体会到戏剧的表达，但相机却会在极端状态中显得力不从心：过暗的灯光会带来过大的噪点，过大的光比会造成画面割裂亮部过曝或暗部曝光不足，过大的色比会造成部分色彩失真，过快的移动会无法清晰成像虽然有些问题可以通过后期改善，但归根结底摄影是纯视觉的，如果无法通过瞬间捕捉的画面来明确表达出内容，剧照就无法拥有足够的完成度，因此，现场拍摄的极端状况对摄影师的技术、反应力以及判断力等方面极具新锐争鸣41考验。2.摆拍不同于现场拍摄的是，摆拍能够拥有足够的从容。摆拍的拍摄角度完全不受限制，拍摄灯光不必和演出灯光一致，也不需要遵循演出的现场调度，拍摄过程中可以调整灯光色温，可以调整光比，无论是布景还是站位都可以根据拍摄需求来进行调整。摆拍一定程度上会牺牲演员的表演状态，当然，足够优秀的演员可以弱化这种不足，但现场有没有观众，对多数演员的状态仍然有着极大的影响，所以摆拍在表演张力上的弱势是非常明显的。摆拍最大的优势在于对细节的表达，尤其体现在人物肖像和核心物件的印象强化上。摆拍可以将人物形象的魅力表现得淋漓尽致，更可以把一些细小的表演用特写的方式重新诠释，这样的剧照广泛应用在人物介绍和宣传海报的主线概述上，且有着不可替代的地位。总之，对于舞台美术的整体效果，以定点拍摄、使用广角镜头和平稳的构图来体现为最佳；而对于故事性和表演张力，最好采用现场移动拍摄，通过抓拍来表现人物动态或交流上转瞬即逝的精彩状态；表现人物造型的细节、拍摄人物小传用的肖像或制作海报用的核心物件或重要的表演细节，则适合采用摆拍的方式来完成。虽然这些并不是绝对的，但这种思路的本质是根据表达需求选择合适的拍摄方式，核心是剧照拍摄的创作意图必须得到足够的重视。从定格的画面中找寻戏剧的张力，简而言之就是着力突出画面的焦点，让观众通过有意为之的画面去猜想接下来将要发生的事情，通过无声的画面去解读有声的戏剧情境。舞台摄影创作好似舞台艺术的“搬运工”，是一种艺术“再创作”的形式，然而想兼顾美术性与戏剧性的共存，却无疑是对摄影者的一种巨大挑战。它要求在画面上追求视觉与内容的同在，摄影师兼顾对整台戏剧作品的熟悉度，了解戏剧的情节推进、高潮转折、人物情感走向等，甚至舞台道具的语言、灯光冷暖强弱的变化等等。剧照是光影，又不仅仅是光影，是戏剧，又不仅仅是戏剧，是信息流的碎片，又不只是碎片本身，它需要拥有摄影作品的美术价值、戏剧作品的内容价值，还要有信息时代的传播价值。在对拍摄方式的思考和探索下，剧照更是一种艺术思维的表现形式，和戏剧一样，和所有艺术形式一样，它不是孤立的空中楼阁，而是和戏剧艺术共同汇入文化历史进程的一条小河。（责任编辑：刘小红）