当代中国画创作中的美学意境表现方式研究.pdf

精品视角Fine quality15当代中国画创作中的美学意境表现方式研究杜喜俊美学意境是中国画艺术的灵魂，是中国传统文化中的重要内容，它与中国画创作相辅相成，不仅对中国画艺术有重要影响，对中国传统文化的传承和发展也有重要作用。当前，中国经济发展速度较快，人们对艺术作品的审美需求也越来越高，这对当代中国画创作的意境表现提出了更高要求。中国画作为中华文化的传统瑰宝，必须立足传统。如何将中国画与当代审美意境进行融合，让它更好地适应现代社会的需求，亦是当前中国画界的一个重要课题。一、通过笔墨表现意境在中国画创作中，笔墨是重要的表现方式之一，通过对中国画创作中笔墨的研究，可以更好地理解中国画创作的美学意境。中国画中的“墨”是指画面上所使用的颜色，墨分五色，主要是指通过水调节墨色多层次的浓淡干湿，而这些墨色所表达的含义与意境也有所不同。“浓墨”色泽浓稠，浓黑无光泽，适合景别暗部，勾勒或点亮；“淡墨”墨色浅，水比墨多，色泽清亮，一般用于起笔、远景、树木和石头的细节描绘；“清墨”含有极少量的墨色，颜色与水色相近，适于表现一些虚无缥缈的景物，如远山、云等；“重墨”比浓墨墨色更淡，亦称为灰墨，通常用来为画面深色铺色，或者表现物体的灰面；“焦墨”是没有加水的墨，颜色漆黑发亮，但是比较难掌握，经常用来提点画面。中国画的“墨”和其他绘画艺术形式不同，其笔墨技法能够准确地反映出创作者的审美理念和思想。当代中国画创作应充分运用“墨法”来表现主题。（一）浓墨重笔浓墨重笔是中国画创作中常用的一种绘画手法。“重笔”是指笔画有力，经常被用来凸显画面主体或强调线条主笔，能够产生强烈的视觉效果，吸引观众的注意力。在中国画创作中，画家通过浓墨重笔可以突出画面主题与中心，使画面有一定的空间感、立体感和层次感，也能使画面更厚重沉稳。但是在使用浓墨重笔时，画家应注意以下两点：第一，要根据画面主题内容的需要进行浓墨位置的经营，这样才能使画面有主次感。第二，浓墨讲究“薄”，用笔要轻柔灵活，干湿浓淡形成变化，方能浓而不滞。中国近现代国画家黄宾虹在作品中便多用浓墨重笔，在具体的绘画实践中，他追求墨色厚重，兼顾淡积墨、焦墨、破墨等多种墨法，代表作品为富春江图轴（如图 1）。作品画面笔墨层层叠叠，主峰突出、小峰连绵，画面坚实苍茫，山石层层堆积却没有一丝杂乱，真正体现出了黄宾虹“黑、密、厚、重”的画风。（二）淡墨轻笔淡墨轻笔是指用淡墨或浅色来表达山水画中的景物，使画面显得更空灵、清澈，呈现出一种“远山含黛”“近水含烟”的意境。在画中，淡墨轻笔能更好地体现出山水的自然之美和空灵之美，将人的情感融入自然中。例如，画家在画山水时用浅色图1黄宾虹富春江图轴16艺术家The artists念，特别是在表现气韵神采方面，注重将颜色关系和绘画主题结构有机组合起来，从而创造出完美的意境。随着当代中国画学科的不断发展，“中国传统色彩”自身也渐渐变成一种脱离“形”而存在的一种艺术语言。它不仅能用于造型，还能用于表达情绪。中国画艺术大师齐白石一生对荷花情有独钟。他将荷花与各种事物结合，表现了对更高境界生命的追求与感悟。齐白石的作品荷花鸳鸯（如图2）用深红色的莲花与黑色的叶子对照，浓郁而厚重，两只鸳鸯并肩而游，朴实无华，别有一番情趣。三、通过造型表达意境在中国画创作中，造型是艺术形象的重要体现，它直接反映了艺术家的审美情趣和个人情感，对展现国画作品的美学意境有重要作用。因此，当代中国画创作者亦应注重通过造型表现作品的意境美。（一）动静结合中国画中所谓的“静”，即是与画中的“静”相对的状态，如“水动山静”“树动石静”“人动屋静”等。从画面构成的形态来看，对称即静态，均衡即动态。静态与动态可以是局部的，亦可以是整体的。所以，中国画可以是动态中包含着静态，也可以是静态中包含着动态，两者相辅相成。总的来说，动静结合是指在国画创作过程中，艺术家要充分考虑画面中的动静关系，并根据画面内容将其展现出来。例如，中国当代画家傅抱石和关山月创作的江山如此多娇（如图 3），运用“全景”的构图手法，以青绿为基调，打破时空的局限，营造出一种大气磅礴的氛围。画家运用多种色彩进行点缀，画中四季交替、动静结合，同时将水墨、颜色和线条等元素融合到一起，表现出了奔腾的黄河、蜿蜒的长江，还有远处的高山平原、长城内外、大河上下等不同的自然风景。图2齐白石荷花鸳鸯来表达云雾缭绕的山水之美。“淡墨轻岚”也是画家用淡墨轻笔表现山水自然之美的一种绘画手法。在绘画中，画家多将“淡墨轻岚”这一表现方式运用到对人物及各种景物的描绘中，表达云雾缭绕的山水之美和自然之美。这种方法不仅可以有效地突出主题，还能使画面看起来更清新自然。同时，画家可将山水、人物、树木等景物进行合理搭配来增加画面的层次感和丰富度。五代宋初山水画家李成的代表作小寒林图 茂林远岫图等作品，便多采用“淡墨轻岚”手法，在淡中求变，用笔由虚转实，山川水墨相融，于似与不似的笔墨之间，勾勒出栩栩如生的神韵。二、运用色彩表现意境中国画自古便重视设色。中国画的设色手法主要有：大小青绿、金碧、没骨、泼彩、淡彩、浅绛等。画家在国画创作中运用色彩是对中国画进行创新和发展的重要方式，主要包括以下几方面：（一）注重画面和谐协调画面是国画创作中非常重要的环节，其设色需要与作品主题相符，使作品符合艺术审美和创作规律。作画之始，画家需要考虑色彩的主从关系，突出主色、辅色、点缀色，在一幅画面中做到色彩相合，相互照应。古代画家在运用色彩时，技法各异，王概曾这样说青绿用色方法：凡正面用青绿者，其后必以青绿衬之，其色方饱满。迮朗曾这样说积粉法的使用：积粉之法，如画牡丹、芙蓉花之类，素绢蒙于粉本之上，以粉逐瓣染成，每瓣边上浓粉，另笔蘸水染至根头，是日积粉画大红牡丹，亦有丹砂积成如积粉法，用脂及洋红染瓣边至根后，以淡朱标衬背，其红自鲜厚。中国画配色之法固然丰富，但亦要有主次之分，同时需要考虑作品主题和意境的关系，只有将二者结合起来才能更好地表现作品主题和意境，使画面呈现出和谐美感。（二）体现艺术美感中国画中的色彩不仅可以表现艺术美感，还可以传达出画者对意境美、生活美、自然美和艺术美的追求。在我国传统山水画的发展进程中，“水墨至上”思想较为明显。中国画创作中合理使用颜色，能够产生很好的视觉表现效果，更好地传达精神理精品视角Fine quality17图3傅抱石关山月江山如此多娇（二）虚实相生虚与实是国画造型表现中常见的表现手法，虚是指没有表现出来的部分，实是指表现出来的部分。虚和实是相互联系、相互影响的，虚境可以为实境营造出意境，实境也能为虚境增添更多光彩。虚实结合主要包括以下两种表现形式：一种是以虚显实，即通过虚来凸显实；另一种是以实显虚，即通过实来衬托虚。以虚实相生为例，虚实结合能够有效地提升作品的整体意境。虚实相生主要包括两方面内容：一是将空间划分成两个部分，通过对空间划分的合理安排，让整个画面更协调；二是在画面中添加一些次要物体，以次要物体突出主要物体。四、借助其他艺术形式表现意境（一）平衡画面布局中国绘画的构图通常可用题跋处理均衡问题。在当代国画创作过程中，画家可以通过题跋和落款印章对画面进行合理布局，使其更好地展现出画作的意境。如明代沈周作品盆菊幽赏图画的是明朝大臣傅瀚等人一起去看菊，结果菊花未能按时开，于是作“催花诗”一首，劝菊早点开花。画中秋水清澈，树叶似霜，菊花围绕凉亭，含苞欲放。三位士人饮酒作乐，十分雅致。此画为经典的文人聚会图，画中左边的诗词在画面构图中占据画面的三分之一，既平衡了画面，使图文呼应得当，又将明朝文人交游的雅致气氛表现得淋漓尽致，展现出了中国传统文化的魅力与意境。（二）点醒画面意境 在中国画创作中，画家可利用多种艺术形式点醒画面意境，使人们在欣赏画作时能够感受到画作所传达的思想感情，具体可以通过文词、诗句等点醒画面，以衬托物象的美，加深画中意境。清代汤来贺在其内省斋文集中曰：“善诗者句中有图绘焉，善绘者图中有风韵焉。”方熏在山静居画论中指出，“高情逸思，画之不足，题以发之”。题跋不但能补全作品的结构和布局，而且能表现作者内心世界的思想。题跋与画中的内容互相补充、完善。一幅画中的诗与画的境界是相互联系的。在画中，我们可以看到诗的境界，让静态的绘画呈现出动态的生命感。例如，画家郑板桥多以墨竹为主题，且喜欢在画中题诗，通过画与诗的完美结合将自己对竹子的热爱之情融入作品中。（三）装饰画面美感 中国文字语言的构成之美在于结合了抽象的思维方式，而且，同样的文字在不同的画面中会呈现出独特的形态之美，它并不拘泥于具体的范畴，就像是一首美妙而纯粹的乐曲。在中国画中，题跋并非一种独立的形态，更应成为绘画中一个有机组成部分。所以，在书写题跋时，创作者要根据作品的格调、意境与颜色的相互关系，从画面的整体构图出发，确定布局的格式、字体大小，产生“常中有变，变中有常”的艺术效果。印章原本是一种证明身份的凭证，具有验证的功能。自宋元之后，由于对书法、绘画、篆刻等方面的重视，文人画家逐步意识到其在创作中的重要功能。书法与印章相互映衬，既可为画面增添色彩、烘托氛围，又可调节画面中心，弥补版面之缺，达到稳固与均衡之功效。在社会经济快速发展的新时期，人们的生活水平逐渐提高，审美需求也在不断提升，当代中国画创作要充分把握美学意境，创作出符合人们审美需求的艺术作品。同时，当代中国画家要通过不断实践，拓宽中国画画面的意境表达范围。随着社会的进步和科技的发展，中国画会遇到更多的机遇和挑战，这也在提醒我们，只有守正创新，方能行稳致远。（杜喜俊/兰州画院）